Otto Preminger

Su nombre completo era Otto Ludwig Preminger, fue un director de cine de origen europeo pero que realizó toda su carrera en Estados Unidos, podríamos decir que junto con Billy Wilder o Fred Zinnemann fue uno de los directores vieneses que más triunfó en Hollywood. Dirigió más de treinta y cinco películas en cinco décadas de carrera como director.
Fue uno de los primeros directores en atreverse a sobrepasar los límites de la censura en Hollywood y tratar temas tabú como la adicción a las drogas (El hombre del brazo de oro, 1955) la violación (Anatomía de un asesinato, 1959) o la homosexualidad (Tempestad sobre Washington, 1962). Preminger es uno de esos directores que cuando uno ve una de sus películas, le haya gustado o no, sabe apreciar que la película estaba perfectamente hecha, estructura y dirigida. Aunque no sólo se limita a ser un gran director técnico, sino que sus filmes están cargados de su estilo personal, su artesanía y sus características propias, ampliamente estudiadas por críticos.

Para los críticos de Cahiers du cinéma, Preminger fue una figura casi mística. En 1954, tras ver Cara de Ángel y La luna es azul, Jacques Rivette se preguntó a sí mismo "¿Qué es la puesta en escena?" y se respondió "es la creación de un complejo y preciso conjunto de caracteres, una red de relaciones, una arquitectura de conexiones, un animado complejo que parece suspendido en el espacio". Esto demuestra que los intelectuales franceses no veían a Preminger como un típico director Hollywoodiense.

Preminger tenía un carácter muy personal, era una persona individual, impersonal y objetiva. Y lo demostró a través de sus obras.

Gracias a su personalidad extravagante, Preminger fue uno de los más conocidos directores y productores de su época, al estilo de Hitchcock, y su popularidad se extendió a toda una generación de niños gracias a su interpretación del villano Mr. Freeze en la serie "Batman" de televisión.
A lo largo de los siguientes días o semanas hablaré de las que para mí han sido sus cinco películas más interesantes, Laura, Al borde del peligro, Cara de Ángel, Anatomía de un asesinato y Tempestad sobre Washington.

Nació el 5 de diciembre de 1905, no en 1906 como a veces se publica, en Wiznitz, bajo el Imperio Astro-Húngaro, actualmente pertenece a Ucrania. Su padre fue Procurador General del Imperio Astro-Húngaro y ejerció una gran influencia sobre él, Otto decía: “Yo adoraba a mi madre, tuve una relación muy afectuosa con ella, era una mujer cálida, con un corazón maravilloso, pero en realidad no desempeñó un papel importante en la formación de mi carácter, intelectualmente mi padre me ha influenciado más que mi madre.”

Estudió Derecho, pero quería ser actor, ya los diecisiete años se unió como actor a la compañía de Max Reinhardt, un director teatral vienés. Se ganó rápidamente la confianza del director y fue elegido para asumir la dirección del teatro de Reinhardt, en el retiro de éste, y se le ofreció a los 27 años el puesto de jefe del Teatro Estatal de Viena. Él lo rechazó al enterarse de que una condición de asumir el cargo era la conversión al catolicismo, los Premingers eran judíos, aunque Otto no era religioso.
Gracias a sus éxitos teatrales Preminger llegó a la atención de los productores de cine y teatro en América, y en 1936, llegó a Hollywood contratado por la 20th Century-Fox. Su carrera en Hollywood fracasó, por problemas con uno de los socios fundadores de la productora, Darryl F. Zanuk. Pero en 1944, fue asignado en principio para la producción de la versión cinematográfica de la novela de Vera Caspary Ring twice for Laura. Al final, Preminger terminó dirigiendo la película y el resultado fue un gran éxito que consolidó la reputación de Preminger. Y hoy en día Laura sigue siendo un reputado clásico del cine.
Mientras estuvo bajo contrato con 20th Century-Fox, Preminger dirigió varias películas basadas en novelas de suspense como: ¿Ángel o diablo? (1945), Vorágine (1949), Al borde del peligro (1950), Cartas envenenadas (1951), y Cara de ángel (1952). Para muchos, éste sigue siendo, el núcleo del trabajo de Preminger, películas en un perfecto blanco y negro con narraciones ambiguas sobre la obsesión de los hombres y la perversidad femenina, marcado por la presencia de actores emblemáticos como Dana Andrews y Gene Tierney.
Preminger inició su carrera como productor independiente y director con la comedia La luna es azul (1953). En 1954 dirigió Río sin retorno, con una famosa pareja de actores protagonistas Marilyn Monroe y Robert Mitchum, de Monroe Preminger llegó a decir: “es un vacío con pezones”. Siguió con El hombre del brazo de oro (1955), basada en la novela de Nelson Algren que trata de un adicto a la heroína. Después de Anatomía de un asesinato (1959), que sigue siendo, con Laura, la película más popular de Preminger, hizo una serie de filmes basado en novelas populares políticas como: Éxodo (1960), Tempestad sobre Washington (1962), El Cardenal (1963), El rapto de Bunny Lake (1965), La noche deseada (1966). Aunque estas películas destacan por su filmación y otros sellos distintivos de Preminger, disminuyeron su respeto entre los críticos. Otto dirigió su última película en 1980, El factor humano, terminando así con una carrera de casi cinco décadas en las que dio un aire diferente en el cine de Hollywood.
Otto Preminger murió el 23 de abril de 1986 en Nueva York a causa de un cáncer de pulmón y Alzheimer. A la edad de 80 años.

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Jacques Becker

Cuando se habla de los grandes directores franceses, casi nunca se nombra a Jacques Becker, probablemente por su escasa filmografía, pero con sólo trece películas, Jacques Becker para mí merece ocupar un puesto entre Renoir, Carné, Godard, Truffaut, etc. Porqué dentro de esos trece largometrajes hay algunas de las obras más artísticas, bellas y técnicas del cine francés, algunas muy influyentes, en directores, como lo reconoció el propio Truffaut, pero también en el propio cine francés como No toquéis la pasta o en el cine internacional como La Evasión.

El cine de Becker se caracteriza por el realismo y la técnica, es un director muy detallista, tiene la capacidad de construir dramas de una manera cautivadora y apasionante. Tiene una habilidad especial para dirigir a los actores con un equilibrio perfecto entre la psicología de los diálogos y la minuciosidad de la puesta en escena. También posee una un gran control del tiempo cinematográfico y al ver sus películas uno siempre siente que está viendo algo realmente auténtico. Estas semanas voy a hablar de las cuatro películas que me parecen más interesantes, La evasión, Los amantes de Montparnasse, No toquéis la pasta y París bajos fondos.

Nació el 15 de septiembre de 1906 en París, en una familia burguesa, su padre era el director de la empresa Fulmen y su madre que era de origen inglés, trabajaba en una casa de moda. Su familia viajaba regularmente de vacaciones al sur de Francia donde allí conoció alguna personalidad francesa, que eran amigos de la familia, como el director Jean Renoir o Paul Cezanne hijo del famoso pintor. Por cierto Jean Renoir era hijo del famoso pintor Pierre-Auguste Renoir.

Becquer trabajó entre otras cosas como camarero en barcos de crucero, que hacían la travesía Havre-Nueva York y uno de esos viajes en 1928 conoció a King Vidor, que le propuso trabajar como actor y director asistente, pero Becker decidió quedarse en Francia donde llegará a ser el asistente de Jean Renoir en los mejores años del director, entre 1932 y 1939. Empezó en la dirección en 1934 codirigiendo un cortometraje junto a Pierre Prevert, pero no fue hasta 1939 cuando se aventuró en solitario a dirigir una película, L´Or de Cristobal pero la abandonó en mitad del rodaje, y fue acabada por Jean Stelli. Después de este pequeño tropiezo, Jacques Becker pasó un año como prisionero de guerra, cuando regresó a París en 1942 consiguió realizar su primera película completa, Dernier atout. Becker bajo la ocupación alemana de Francia dirigió dos películas más de distinto corte, pero todas ellas basadas en un movimiento versátil de la cámara, en 1943 Goupi Mains Rouges y en 1945 Falbalas. Jacques Becker que destacaba por sus cualidades morales colaboró en el texto Cocos contra Corbeau para ayudar a Clouzot como ya conté en la entrada de Le Corbeau.

Después de la Segunda Guerra Mundial realizó varias comedias como Antoine et Antoinette que ganó la Palma de Oro del Festival Internacional de Cannes. En 1952 hizo una de sus grandes obras, Paris, Bajos fondos donde hace una poética revisión a fondo del Paris de principios del siglo XX. Un año después firmó No toquéis la pasta uno de los títulos que más influyeron en las posteriores películas de Film noir francés. Tras tres películas más, dirigió en 1958 un magnífico melodrama basado en la vida del pintor Modigliani, Los amantes de Montparnasse y en 1960 realizó su auténtica obra maestra y una de las películas mas importantes de la historia del cine La evasión basada en un hecho real, sobre la fuga que protagonizaron unos prisioneros en la cárcel de La Sante. Becker ya estaba enfermo durante el rodaje de La evasión y murió en París antes de que se terminara de montar el sonido.

Jacques Becker ha demostrado sobradamente con sus obras que es uno de los grandes directores del cine francés, y que como hizo su hijo, el realizador, Jean Becquer hay que defender su prestigio y su valor artístico para que no caiga en el olvido.

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Fritz Lang

Ha sido, sin duda, uno de los grandes directores y artistas de la historia del cine, con sus más de cuarenta películas ha influido notablemente en la evolución del séptimo arte, sus películas abarcan casi todos los géneros, excepto la comedia. Trabajó sobre todo en Alemania y Estados Unidos. La primera parte de su obra, realizada en Alemania, donde firmó títulos como Metrópolis o Las tres luces, es puramente expresionista, y se caracteriza por retratar la civilización de forma oscura a la vez que lírica. Durante su exitosa carrera en EEUU realizó obras maestras como Perversidad o Los Sobornados y fue uno de los precursores del magnífico Cine negro o Film Noir. La verdad es que estas semanas podría hablar de un gran número de sus películas, pero he elegido las seis que para mí han sido sus obras más importantes y de las que hablaré, Metrópolis, M el vampiro de Dusseldorf, Furia, La mujer del Cuadro, Perversidad y Los Sobornados. Aunque se que dejo fuera grandes títulos como Las tres Luces, Los verdugos también mueren, etc… Quizás en otra ocasión será.

Nació en 1890 en Viena, cuando pertenecía al imperio Austrohúngaro, su nombre completo era Friedrich Christian Anton Lang. Su padre, que era un conocido arquitecto, intentó que su hijo siguiera sus pasos, aunque Fritz tenía más interés por la pintura o el dibujo. Empezó en 1907 los estudios de Ingeniería Civil como deseo de su padre, pero no duró ni un año, y en 1908 se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Viena para estudiar pintura, más tarde emprendió una serie de largos viajes a Asia, el norte de África y América. En 1913/14 continuó su educación en París con el pintor Maurice Denis, donde descubrió la película. Tras el inicio de la Primera Guerra Mundial en 1914 Lang regresó a Viena. Se ofreció como voluntario para el Ejército y durante la guerra Lang sufrió un accidente que le provocó la pérdida del ojo derecho. Al terminar la guerra comenzó a escribir guiones para Joe May reconocido director de la productora alemana Universum Film AG (UFA). En 1919 empezó a dirigir sus primeras películas, Hallblut y Las arañas (1920). El 25 de Septiembre 1920 la primera esposa de Lang, Lisa Rosenthal, muere por un disparo de su propio revólver. Se supone que espontáneamente se quitó la vida después de que ella había sido testigo de la aventura de su marido con la que se convertiría dos años más tarde en su segunda esposa, Thea von Harbou, quien colaboraría a partir de ahí con él como guionista, en grandes películas como Las tres Luces (1921) o las dos partes del Doctor Mabuse (1922, 1932). Junto a su mujer visitó Nueva York y los principales estudios cinematográficos de Hollywood. La experiencia probablemente inspiro la estética de rascacielos de la películas más famosas de Fritz Lang, que se estrenó en 1927, el clásico de ciencia ficción Metrópolis.

En 1931 dirige si primera película sonora, M el vampiro de Dusseldorf, una auténtica obra maestra que para mí debería estar entre las veinte mejores películas de la historia del cine. En 1933 con la toma de poder de los nazis, el ministro de cultura Goebbels, ofreció a Lang en una reunión privada y tras confesarse admirador suyo, hacerse cargo de los estudios UFA, ésto hace que Lang abandone Alemania esa misma noche en un tren a París, marchándose sin dinero y dejando atrás a su mujer.

En Francia en 1934 rueda Liliom, pero ese mismo año, Lang se trasladó a los Estados Unidos, donde lo acompañó su nueva novia, Lily Latté. Su matrimonio con Thea von Harbou se había destrozado, además ella tenia una ideología cercana a los nazis, opuesta a la de Lang.

En Hollywood rodaría grandes obras, entre ellas Furia (1935) su primera película en EEUU, protagonizada por Spencer Tracy, con la que obtuvo un gran éxito. Más tarde realizó películas tan conocidas como La Mujer del Cuadro en 1944 y Perversidad en 1945, ambas protagonizadas por el gran Edward G. Robinson o Los Sobornados (1954) protagonizada por Glenn Ford, todas ellas Obras de Cine negro. También tuvo que rodar muchas películas por obligación de las productoras, motivo que le hizo regresar a Alemania en el año 1956 donde dirigió sus tres últimas películas: El tigre de Esnapur (1959), La tumba india (1959) y Los crímenes del Dr. Mabuse (1960).

De Fritz Lang se podría hablar mucho más, ya que ha sido una de esas figuras clave del cine, un hombre que al principio decía frases como: “Para mí, el cine es vicio. Lo amo íntimamente. Siempre he creído que es el arte de nuestro siglo”. Y que termino diciendo: “Hoy en día, califico al cine de industria. Y pensar que podría haber sido un arte, pero lo han convertido en una industria. Han matado al arte”. Sólo cabe esperar que se equivoque en su última sentencia y que algún día el cine vuelva a tener algún artista de su nivel. A pesar de su gran talento y su admirada obra cinematográfica, Fritz Lang nunca obtuvo un Oscar como mejor director, lo que vuelve a demostrar el poco prestigio que tiene la ceremonia de los Oscar.

El 2 de Agosto 1976 Fritz Lang muere en Beverly Hills. Fue enterrado en el cementerio de Forest Lawn en Hollywood.

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Henri-Georges Clouzot (H. G. Clouzot)

H. G. Clouzot como se le suele conocer, fue director, productor y guionista del cine francés. Clouzot no es el típico director francés que podemos tener en mente, en sus películas no es relevante el lirismo, el humanismo ni si quiera el romanticismo, la mayoría de sus películas son auténticos thrillers, cargados de atmósferas angustiosas, sórdidas y sobre todo de suspense. Podríamos decir que ha sido uno de los pocos directores que le ha plantado cara en esto del suspense al maestro Hitchcock, y si Sir Alfred es considerado el absoluto maestro del suspense, Clozout lo sería sin duda del cine francés. Su cine no sólo se caracteriza por tener una estructura narrativa perfecta si no que gracias a su especial y particular visión del mundo, sus películas están cargadas de malicia, crueldad, avaricia, traición, envidia, los personajes siempre traicionan, explotan a otros, el amor carece de toda ternura y la amistad es frágil. Es una amarga visión de la vida, que seguramente estaba relacionada con su mala salud, llego incluso a pasar cuatro años en cama debido a la tuberculosis. Adquiere una reputación de director tiránico sobre todo con sus actores, a los cuales aterrorizaba para hacer que sacaran lo mejor de ellos mismos. Dirigió un total de trece largometrajes.

Esta semana voy a repasar las que para mí han sido sus cuatro mejores películas, Le Corbeau, En legítima defensa, El salario del miedo y Las diabolicas.

Nació en Nirot, Francia, el 20 de Noviembre de 1907 y su entrada en el cine surgió de la necesidad de encontrar un trabajo estable. Después de acabar sus estudios de ciencias políticas trabajo como periodista del “Paris-midi” y después fue secretario del músico Rene Dorin y más tarde como escritor para el cine. En 1931 debuta como director haciendo su primer cortometraje, llamado Le terreur des Batignolles. Pero una grave enfermedad lo mantuvo alejado casi diez años del cine, durante de los cuales 4 de ellos los paso en un sanatorio donde leyó numerosas novelas policíacas, que le servirían de inspiración para sus películas, incluso llego a decir “Todo se lo debo al Sanatorio, eso fue mi colegio, fue allí donde aprendí a leer y a escribir y donde vi como funcionan los otros seres humanos y yo mismo” hasta que en 1941 realizó su primer largometraje, El asesino vive en el 21. Y en 1943 realizó la que para muchos es su mejor film, El Cuervo película que fue producida por los nazis (como casi todas las películas de la Francia ocupada) y al acabar la guerra fue prohibida, acusada de ser una película colaboracionista, incluso Clouzot fue inhabilitado durante un tiempo.

Cuando volvió detrás de las cámaras encadenó una serie de grandes películas, donde destacan en 1947 En legitima defensa, en 1949 Manon y en su momento de mayor esplendor dirigió las que para mi son sus dos mejores obras maestras, en 1953 El salario del miedo y en 1955 Las diabolicas. Con El salario del miedo obtuvo el mayor reconocimiento de su carrera, ganando La Palma de Oro del Festival de Cannes de 1953 con Mención Especial para Charles Vanel, el mismo año gano El Oso de Oro del Festival de Berlín y en 1955 el premio BAFTA a la mejor película.

Aunque su película más conocida hoy en día sigue siendo Las Diabolicas, película que impacto mucho al mismísimo Alfred Hitchcock de tal manera que se sospecha que la famosa escena de la ducha de Psicosis esta basada en la escena de la bañera de Las Diabolicas, y que incluso “Hitch” hizo Psicosis para volver a obtener el reconocimiento de maestro del suspense después del grandísimo éxito de Las Diabolicas.

Después de tanto suspense Clouzot se tomo un respiro, realizando en 1956 un documental sobre la creación artística llamado El misterio de Picasso y convenció al excepcional músico Herbert von Karajan para realizar una serie de trece películas sobre los secretos de la composición musical, al final sólo se rodaron cinco, pero Von Karajan quedó impresionado por Clouzot. En 1957 rodó Los espías. La delicada salud le obliga a empezar a espaciar más sus películas, y no es hasta 1960 cuando realiza su siguiente película, La verdad y en 1968 su última película La Prisionera.

Clouzot murió el 12 de Enero de 1977 en Paris, desgraciadamente el gran éxito que obtuvo mientras vivió se fue perdiendo poco a poco después de su muerte, y hoy en día para muchos es un director todavía por descubrir.

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Mijaíl Kalatozov

Controvertido director de cine de origen soviético que dirigió trece películas y que alcanzó popularidad internacional gracias a las dos únicas películas de las que hablaré, Cuando pasan las cigüeñas y sobre todo a su especial y polémica Soy Cuba.

Nacido en Tiflis, Georgia, el 28 de Diciembre de 1903. Su verdadero apellido es georgiano y es Kalatozishvili. A los 20 años empieza a trabajar en el mundo del cine, trabajó desde conductor, asistente de cámara, actor, guionista, co-director hasta que en 1939 hizo su primer trabajo como director en solitario, realizando la película-documental La sal de Svanetia. En 1933 se matriculó en la Academia de Arte de Leningrado, después de terminar los estudios en 1937 durante un tiempo trabajó como director en los estudios de Tiflis donde rodó varias películas y más tarde volvió a Rusia para dirigir en 1939 Coraje.

Desde 1943 trabajó en el estudio de Mosfilm y representó el cine soviético en Hollywood, entre 1945-1946 estuvo como jefe de la Dirección Central de la producción de largometrajes, y en 1946-1948 ocupó el cargo de Viceministro de Cinematografía de la URSS. Gracias a estos cargos políticos pudo seguir rodando en la difícil época de la postguerra donde muy pocas películas se filmaron en ese país. En 1954 llegó su primer premio importante gracias a la comedia lírica Tres hombres en una balsa obtuvo el Gran Premio del Festival de Cine de Karlovy Vary.

En 1957 realizó su primera obra maestra Cuando pasan las cigüeñas que obtuvo además la Palma de Oro del Festival de Cannes en 1958. La película fue una avanzada para su tiempo, con montaje brillante y una movilidad inusual de la cámara hace esta película una obra de arte llena de potencia trágica y de gran belleza lírica, el sorprendente movimiento de cámara fue gracias a su operador Sergei Urusevski.

Gracias al triunfo de la Revolución Cubana las relaciones ente Cuba y la Unión Soviética se intensificaron y con un acuerdo entre las estudios Mosfilm y el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfico se decidió realizar una película sobre la Revolución, eligiéndose a Kalatozov como director, el resultado fue la genial Soy Cuba.

En 1969 Kalatozov realizó su último trabajo, fue una producción italiana y soviética conjunta la película La tienda roja sobre la salvación de la expedición polar de Umberto Nobile.

Kalatozov murió en Moscú el 27 de Marzo de 1973. En el año 2000 "Mikhail Kalatozov Fondo" se estableció en Rusia como una organización no comercial destinada a apoyar y desarrollar la cinematografía nacional, así como de mantenimiento de la memoria de los maestros del cine de este país.

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Robert Bresson

Es un director de cine y artista francés, digo lo de artista por que muchos se limitan a ser directores, y otros además son artistas y creadores, lo son por que tienen un estilo propio, personal un estilo diferente con el que impregnan todas sus películas, como es el caso de Bresson.

Su cine es un cine minimalista, realista, trascendental un cine del pequeño detalle, mucha gente dice que es un director religioso o espiritual, al estilo de Dreyer, sobre todo se puede apreciar en la primera mitad de su obra. Bresson creó una forma narrativa absolutamente cinematográfica mediante el uso de secuencias en las que muestra primero el detalle y luego el plano general, donde lo importante es cada palabra, cada gesto, cada imagen. Usaba a los actores de una forma no muy habitual que en general no gustaba al actor, les decía que no debían meterse mucho en la psicología de los personajes que evitaran enérgicamente cualquier teatralidad más bien recitando el guión de una forma más “automática”.

Esta semana repasaremos 4 de sus 14 películas, Diario de un cura rural, Un condenado a muerte se ha escapado, Pickpocket y Mouchette.

Nació el 25 de Septiembre de 1901 en Puy-de-Dôme, Francia. Primero fue fotógrafo y pintor, más tarde se pasó al cine cuando en 1934 dirigió su primer film un mediometraje llamado: Les Affaires publiques el que se piensa que ha desaparecido. Años después dirigió sus primeros largometrajes Les Anges du péché (1943) y Les Dames du Bois de Boulogne (1945) con los que no estuvo muy contento debido a las actrices principales, entonces decide recurrir a actores no necesariamente tan profesionales para sus siguientes películas, a los que llamaba “modelos”. Después de esto realizo tres de sus mejores trabajos Diario de un cura rural (1959), Un condenado a muerte se ha escapado (1956) y Pickpocket (1959), aquí ya podemos destacar la importancia de la igualdad de imágenes y sonidos, o el aumento del uso del plano-detalle. En adelante dirigió ocho películas más, de las que cabe destacar El proceso de Juana de Arco (1962), Mouchette (1967) y El diablo probablemente (1977). Antes de dirigir su última película publico un libro en 1975 Notas sobre el cinematógrafo. Ya en 1983 dirigió su última película El dinero.

Murió en 1999 en Paris. Bresson descubrió que para hacer buen cine no era necesario grandes presupuestos, efectos especiales o actores estrella. Difícil será de olvidar su personal e inconfundible estilo, que provoca una extraña sensación cada vez que se ve una de sus películas.

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Masaki Kobayashi

Primer director del que voy a hablar esta semana. Es para mí el director japonés menos reconocido dentro de los famosos Grandes Maestros, Kurosawa, Mizoguchi y Ozu. Aunque Kobayashi demostró su desbordante talento siempre estuvo un poco a la sombra, gran parte de culpa la tiene la presencia de Kurosawa que eclipsó el cine japonés desde los años 40 hasta los 70. En esta primera semana vamos a hacer un repaso de 5 de sus películas de entre su no muy larga filmografía (comparada con la de los nombrados anteriormente), las que para mí han sido sus 5 films más importantes: La trilogía de la condición humana, Harakiri, y Samurai Rebellion. Kobayashi carga sus películas con una belleza plástica inigualable y de un realismo perfectamente representado en la pantalla.

Kobayashi nació el 14 de Febrero de 1916 en Hokkaido (Japón), mientras empezaba a entrar en el mundo del cine trabajando como asistente fue llamado para ir a la guerra, su destino fue Manchuria, una región de China ocupada por los japoneses de donde querían sacar provecho explotando las riquezas naturales, allí esclavizaron a los chinos haciéndoles trabajar en penosas situaciones, estas duras vivencias inspirarían al director años después en su trilogía de la condición humana y le marcaron en la mayoría de sus largometrajes. Durante la guerra pasó un tiempo en un campo de los EEUU como detenido. Una vez terminada la guerra volvió a Japón y continuó trabajando como ayudante de dirección, pero unos años más tarde empezaría a trabajar en solitario, haciendo su primer largometraje en 1953 llamado Kabe atsuki heya (The Thick-Walled Room). Su primer reconocimiento oficial llegó en 1960 cuando fue premiada su primera parte de la trilogía de la condición humana en el Festival de Venecia. Cinco años después volvió a ser premiado, esta vez en el Festival de Cannes con su película Kwaidan (Kaidan). Después de esta película, Kobayashi dirigió otras siete, entre ellas Samurai Rebellion y en 1985 dirigió su ultimo film Shokutaku no nai ie (Family Without a Dinner Table) y se retiró. Murió en Tokio el 4 de Octubre 1996 dejando un grandísimo e inolvidable legado en el cine.

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